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Sotto le foglie

da domenica 6 a venerdì 12 dicembre 2025

SOTTO LE FOGLIE

regia di Francois Ozon

Locandina italiana Sotto le foglie

““Per lo spettatore di un film di Ozon farsi delle domande e darsi delle risposte è parte dell’esperienza: è per questo che la recensione che segue va letta (come tutte, del resto) a visione avvenuta.

Nella prima parte di Sotto le foglie c’è da un lato il solito sviamento che il francese opera per disorientare il pubblico, dall’altro un segreto, un pesante non detto che attende di essere sciolto: entrambi si esemplificano nella prima sequenza in cui Michelle (Hélène Vincent) entra in chiesa e ascolta il Vangelo. Sviamento: guardando quella scena, nello spettatore si forma l’idea della protagonista come di una devota signora anziana che ha l’abitudine di recarsi a messa. Questa apparenza reca già in sé il non detto del film e il suo svelamento: il prete legge il brano del Nuovo Testamento in cui la peccatrice lava i piedi a Gesù e Michelle, da ex prostituta (il non detto, per l’appunto), ne rimane colpita. Con questo incipit, che sembra di mera contestualizzazione, Ozon ha già messo in moto la sua operazione: ha insinuato nello spettatore un falso convincimento – che potrà smentire in seguito – e ha inserito una chiave rivelatoria che, alla seconda visione, si potrà cogliere in tutta la sua portata. Basterebbe questo per dire della sottigliezza di questo autore, qui felicemente tornato a una sceneggiatura originale (anche se i suoi adattamenti sono altrettante ardite personalizzazioni dei testi dati): Sotto le foglie è il suo racconto d’autunno che, dietro la constatazione apparentemente lieve delle abitudini della sua protagonista – una donna che vive in campagna, in conflitto con la figlia e in adorazione del nipotino – insinua una serie di motivi che intorbidiscono il quadretto e lo rendono via via più sfumato, sfuggente a conclusioni univoche. Osserviamo dunque Michelle che raccoglie la verdura dal suo orto, che prepara la cena, che mangia e ascolta la radio: sono pennellate che delineano il personaggio, lo rendono familiare allo spettatore senza svelarne la peculiarità. Non abbiamo dubbi, allora, nell’individuare in Valérie (Ludivine Sagnier) una figlia degenere e ingenerosa, che maltratta e sfrutta la madre: non sappiamo (ancora) che la condizione che la figlia ha vissuto è stata terribile, non possiamo (ancora) capire perché detesti la campagna e la vita vissuta in una piccola comunità in cui, in tutta evidenza, tutti sanno tutto. Nonostante rischi la vita per i funghi avvelenati che la madre ha servito a pranzo, riteniamo eccessiva la sua reazione e drastica la decisione di allontanarsi dalla Borgogna privando la madre della compagnia del nipote. Però Michelle quando ha riportato in cucina il piatto, per metà ancora pieno, non ha avuto remore nel buttare nella spazzatura i funghi rimasti, come se avessero espletato la loro funzione («Non è stato mica premeditato» le dice il medico, «Non lo so più» risponde la donna). E

poi, a ben guardare, anche nel suo placido quotidiano ci sono elementi che incuriosiscono e insinuano increspature nel quadro (la lettura accanto al caminetto: un romanzo di Ruth Rendell). Da sempre Ozon mette in discussione il consesso familiare quale intreccio di relazioni impastato di trame nere, storture e traumi (l’idea dei funghi avvelenati è legata a un episodio della sua infanzia), qui complicato da un conflitto generazionale che si muove simbolicamente in due ambienti (la pittoresca Borgogna, la livida capitale), con la polizia ai margini (come una paradossale minaccia) e un’indagine che si abbozza e che serve a isolare, nel racconto, un ambiguo piano morale in cui tutti mentono. È proprio in questa ambiguità la grandezza del film, nel suo procedere ellittico (...), in quel lasciare strategici vuoti nei rapporti tra i personaggi che sarà inevitabilmente lo spettatore a colmare (farsi delle domande, darsi delle risposte è parte dell’esperienza, ripeto). (…) Perché, freudianamente, è anche di rimozioni che si nutrono i personaggi di questo film, a cominciare dalla protagonista, Michelle, commossa – e forse un po’ invidiosa – quando constata l’attaccamento di Vincent per Marie-Claude: la foto sul desktop del cellulare di Vincent lo ritrae con la madre. Michelle, donna sempre più sola, è alla fine della vita (è arrivato l’autunno…), e non ha nessuna voglia di dedicarsi al volontariato in chiesa: ha investito sulla cura del nipote, nessuno potrà toglierglielo, soprattutto una figlia che parla della sua possibile dipartita senza alcun tatto e come una pura formalità. (…) È in questo proliferare di motivi e possibilità il miracolo di un film che – nel suo tono compassato e nei suoi passaggi persino commoventi – riesce a tessere trame sotterranee di crudeltà, ferocia, morbosità. E, ribadisco, di un cinismo che non risparmia nessuno: non dimentichiamoci che il piccolo Lucas non solo mente alla polizia (…) ma alla fine del film rivela che a lui i funghi piacciono, il che ci fa leggere in tutt’altra chiave il suo dichiarare di non amarli e il rifiuto di mangiarli al famoso pranzo che aveva determinato l’intossicazione (che sia lui il potenziale avvelenatore?). Il tutto attraversando i generi, non soffermandosi su nessuno, ché basta una battuta a mutare toni e mood: il dramma si fa giallo che si fa commedia (con tocchi quasi demenziali), in controluce la sottile militanza (la famiglia fuori dai canoni, Vincent e Lucas chiaramente gay - « Perché Vincent non ha una moglie?» - e, nel futuro, possibili amanti). Ospiti (s)graditi i fantasmi. (…) Su tutto domina la capacità del regista di lasciare intuire, dietro ogni scena, l’abisso, il mistero, la morte, l’eros. Maestro.”

Luca Pacilio da spietati.it

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Jersey Boys

da domenica 5 a venerdì 9 ottobre 2014

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JERSEY BOYS

REGIA DI C.EASTWOOD

Siamo nei primissimi anni ’50 nel New Jersey, quando una band di italoamericani diventa celebre con il nome Four Seasons. Si dice che, negli anni ‘60 i Beatles abbiano rivoluzionato la musica ma si dimentica che, pochi anni prima, all'insegna della musica rock, vi era stata la rivoluzione suscitata nel New Jersey da altri quattro giovanotti che si erano annunciati come i Four Seasons e che, anticipando appunto i Beatles, si erano subito proposti con dei veri e propri successi mondiali. A tal segno che Broadway non tardò a dedicar loro addirittura un musical, intitolato, data la loro provenienza, Jersey Boys: Clint Easwood parte da questa storia per il suo film. Il protagonista, John Lloyd Young nel ruolo di Frankie, è lo stesso del musical dedicato al gruppo, così come la partecipazione produttiva; nella cornice di un'affettuosa ricostruzione d'epoca, tra brillantina, impresentabili camicette bicolori e sfacciate cabrio pinnate dai colori accecanti, sfilano le canzoni che portarono i Four Seasons in vetta alle classifiche, con il loro sound accattivante e la voce flautata di Frankie/John: Sherry, Big Girls Don't Cry, Bye Bye Baby e tante altre. Che il legame di Clint Eastwood con la musica sia forte e profondo è noto, avendo egli stesso composto le colonne sonore di alcune sue pellicole e avendone girate due dedicate al jazz: il documentario The Piano Blues e il biopic di Charlie «Bird» Parker. Dalle note di regia si legge: “Ognuno se la ricorda come gli fa più comodo”. Conosciamo le canzoni. Conosciamo il sound. Ma solo pochi conoscono la storia. Jersey Boys racconta dell’ascesa e della conseguente caduta dell’iconico gruppo rock ‘n’ roll, The Four Seasons, raccontando agli spettatori come le loro canzoni siano riuscite a fare presa nelle coscienze del pubblico—alcune delle quali per oltre mezzo secolo—ma anche rivelando le sorprendenti origini di questa, apparentemente perbene, rock band americana. l film è tratto dal musical di successo che ha conquistato un premio Tony Award, incantando le platee di tutto il mondo (negli U.S.A. e all’estero) e diventando uno degli spettacoli più longevi nella storia di Broadway. Ora, il regista Clint Eastwood dirige la storia dei The Four Seasons allargandone gli orizzonti, portando tutta la gioia, la musica ed i ricordi sul grande schermo per emozionare le platee di tutto il mondo. Eastwood, che è anche produttore del film assieme a Graham King e Robert Lorenz, ha voluto svelare il dramma nascosto dietro le giacche e le cravatte, dietro l’apparente armonia che legava i quattro ragazzi, era ciò che maggiormente lo intrigava: “Mi è sempre piaciuta la musica dei The Four Seasons, quindi sapevo che sarebbe stato divertente rivisitarla, ma quello che più mi interessava era che questi delinquenti, poco più che maggiorenni, cresciuti certo non nella migliore delle situazioni, fossero riusciti a raggiungere questo enorme successo. Cresciuti in una periferia gestita e controllata dalla mafia, vivevano di piccoli crimini. Alcuni di loro hanno anche passato del tempo in prigione. Poi è arrivata la musica, la loro salvezza per uscire da quella situazione. Avevano trovato finalmente qualcosa per cui valeva la pena lottare.”
(dal presbook)

gli animatori lo hanno visto così :

Matteo Mazza	domenica pomeriggio	All'interno del suo personale discorso di rielaborazione dei generi cinematografici quel che Eastwood mette in scena con questo musical resta sorprendente. Jersey boys, oltre ad essere un film di formazione, una storia d'amicizia, un nuovo viaggio nelle dinamiche che si innescano tra talenti e libertà, riscatto e ambizione, è anche un modo per continuare a guardare la storia made in Usa (siamo nell'anticamera vietnamita) che sembra tutta racchiusa e anticipata nelle note di Can't Take My Eyes Off You cantata da Frank Valli. Allora, alla luce di questo sguardo disincantato che dal particolare si sposta sull'universale, non sono casuali la presenza di Christopher Walken nei panni del boss (cosa canta in Il cacciatore prima di partire per il Vietnam?), di Joe Pesci (riguardate Goodfellas e Casinò) e la menzione a Liberace come icona di una società dello spettacolo sempre più specchio dei tempi (avete visto Dietro i candelabri con Michael Douglas?).
giulio martini	domenica sera	operazione nostalgia per l'ultimo Clint Eastwood. Racconta in una tersa aura "vintage" una storia di bulli di periferia, che tutto sommato, sono però dei bravi agazzi. Hanno i loro piccoli - grandi valori da difendere, da far vincere, così da tirar un bilancio positivo della loro carriera e forse della loro vita. Persino la mafia è paterna ed affettuosa, in nome di una solidariatà un po' mitizzata (di gruppo o interetnica) che sembra sopravanzare quasiasi altra ragione, perchè interviene a difendere dalle tragedie il percorso accidentato di questi eterni adolesvcenti impeganti ad uscire dalla miseria e dall'anonimato. A tarscinarli è un talento personale indubbio. Cioè qualla risorsa intima cui Eastwood sempre crede, e che sempre nobilita nei tratti dei suoi protagonisti, soprattutto se si muovono in mezzo al fango.
angelo sabbadini	martedì sera	Questa settimana Angelo è stato sostituito da Giulio
carlo caspani	mercoledì sera	Per altri sarebbe un compitino alimentare, per Clint diventa un'occasione speciale per ricordare atmosfere di gioventù senza cadere nel melenso da una parte e nel ricalco di genere "spaghetti gangster" che ha già illustri rappresentanti in Scorsese e Coppola. Tono leggero anche nel dramma, musica e ritmo nei bravi guaglioni del Jersey che, tra marachelle giovanili e amicizie non proprio commendevoli, trovano la loro strada, la loro melodia finchè dura e i soldi nonsii mettono di mezzo. Da un musical come solo a Broadway sanno fare un Eastwood meno cupo, più pacificato, come si conviene a un ottantenne di grande mestiere,che si concede pure la civetteria dell'autocitazione (Rawhide in tv...)=
marco massara	giovedì sera	La prima volta in cui entriamo nella casa di Frankie questi è a tavola con davanti a sé un piatto di spaghetti (!) e un bicchiere di latte. Al di là di quanto orrida al nostro gusto possa sembrare questa accoppiata, in fondo essa racchiude la filosofia di questo film e di gran parte della idea di cinema di Eastwood.; Mescolare tradizione e trasgressione, integrità e corruzione mantenendo sempre accesa la questione se il suo cinema sia reazionario o progressista. Film ottimamente girato e montato, ma purtroppo la tensione si spegne un po’ proprio sulle scene cantate che vengono vissute dallo spettatore più come uno spettacolo che come un tassello della narrazione. Grandissimo Christopher Walken che letteralmente accende la scena con la sua sulfurea recitazione.
giorgio brambilla	venerdì sera	Clint Eastwood ci racconta il sogno americano con tutte le sue contraddizioni. Non fa un quadro sociologico sulla difficile situazione dell'epoca, che illustri quant'è difficile crescere in un quartiere dove le uniche possibilità d'impiego per un giovane sono la guerra, la mafia o una folgorante carriera nello spettacolo. Racconta, come sempre, la storia di individui precisi, con le loro conquiste e drammi personali, ponendosi dal punto di vista di quattro ragazzi italoamericani del Jersey che hanno sperimentato sulla propria pelle quale sia il prezzo del successo; proprio per questo, assumono il ruolo di narratore, uno per ognuna della quattro stagioni che hanno attraversato. Evidentemente non è il film più obiettivo possibile, ma il regista, alla tenera età di ottantaquattro anni, si cimenta in qualcosa di nuovo, divertendosi parecchio e facendo divertire lo spettatore in modo mai banale. Non sarà Mystic River o Gli Spietati ma, nei limiti dell'operazione, tanto di cappello

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Il capitale umano

da domenica 19 a venerdì 24 ottobre 2014

Gli animatori lo hanno visto così

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IL CAPITALE UMANO

REGIA DI P.VIRZI

I progetti faciloni di ascesa sociale di un immobiliarista, il sogno di una vita diversa di una donna ricca e infelice, il desiderio di un amore vero di una ragazza oppressa dalle ambizioni del padre. E poi un misterioso incidente, in una notte gelida alla vigilia delle feste di Natale, a complicare le cose e a infittire la trama corale di un film dall’umorismo nero che si compone come un mosaico. Paolo Virzì stavolta racconta splendore e miseria di una provincia del Nord Italia, per offrirci un affresco acuto e beffardo di questo nostro tempo.

dal Press-book

Gli animatori lo hanno visto così:

marco massara	domenica pomeriggio	Paolo Virzì opera un doppio trasferimento: abbandona l’ambientazione toscana – meglio se livornese – della maggior parte delle sue commedie per trapiantarsi in una terra brianzol-varesotta (tirando qualche sasso ben assestato e qualcuno fuori bersaglio in cristalleria) ed abbandona appunto i toni della commedia per immergersi in tonalità decisamente più drammatiche con qualche traccia di noir. Il risultato è apprezzabile, il fim è molto meno ‘dimenticabile’ (il vero punto debole delle commedie precedenti) e assume uno spessore inconsueto; merito di una narrazione non lineare e con sfasamenti temporanei che è rivelano l’intreccio con coinvolgente gradualità e di un quartetto (due Fabrizi e due Valerie) di attori davvero efficaci; su tutti un grande Fabrizio Gifuni nella parte sgradevole e molto più difficile rispetto a quella facile di un sopravvalutato Fabrizio Bentivoglio .
giulio martini	domenica sera	esemplare presa in giro della mentalità lombarda sul versante dei danè e della presentabilità sociale, con micidiali frecciate al leghismo più becero e riferimenti multipli a vicende del gossip nostrano. Il film del siculo /toscano Virzì vale quanto "Sedotta ed abbandonata" a suo tempo. Germi allora era considerato un regista minore. I siciliani si imbufalirono. Ma - come qui - la vera "commedia all'italiana", quella feroce e grottesca, fece centro e fece meglio dieci noiosi manuali di antropologia culturale.
angelo sabbadini	martedì sera	Eccolo il nuovo bestiario italiano aggiornato all'età della crisi! A proporcelo è di gran lunga il miglior commediante italiano, maestro del montaggio, che in questo film sposa la commedia nera e disegna maschere inquietanti e grottesche che valgono molto di più di tante, verbose analisi sociologiche. Su tutti svetta Dino Ossola (Fabrizio Bentivoglio) squallido arrampicatore sociale con la sua frangetta tinta di fresco, gli occhi da faina e un eloquio cantilenante che dapprima diverte e poi spaventa. Gran film!
carlo caspani	mercoledì sera	Virzì serio, serissimo pur nel grottesco di certe esagerazioni volutamente macchiettistiche (Bentivoglio per tutti), perché solo così si riesce a rendere la ridicola pochezza morale che crea danni irreparabili in in paese che scommette sul proprio fallimento, e vince. Come cantava De André tanti anni fa, anche se vi credete assolti siete lo stesso coinvolti
roberta braccio	giovedì sera	Virzì si butta sul noir e fa bene. Il fatto di partire da un solido romanzo ambientato nel lontano Connecticut e di “tradurlo” in una storia tutta italiana, dà al film una struttura solida e originale, oltre ad un buon spazio di manovra di libertà alla squadra degli sceneggiatori. Il senso poi di continua angoscia è reso benissimo, complice anche la divisione in capitoli, mantenendo sempre alto un livello di minaccia che il noir deve avere. Un ottimo lavoro dunque, che personalmente preferisco a molte sue recenti commedie. Resta come unico neo il personaggio di Bentivoglio, su cui regista e attore si sono evidentemente divertiti un po’ troppo, calcando un po’ la mano: tutti i dettagli in lui sono esasperati e caricaturali (non da ultimo, la cicca ripetutamente masticata a bocca aperta) e, e per questa eccessiva “fumettizzazione”, a mio avviso, risulta poco credibile, specie nel finale.
giorgio brambilla	venerdì sera	Paolo Virzì cambia completamente strada, decidendo di aggirarsi in una Brianza che rappresenta l'Italia tutta (e non solo) nel suo lato peggiore, assetata di facili guadagni e inconsistente. Con i suoi co-sceneggiatori, Bruni e Piccolo, costruisce un racconto stratificato che, passando di personaggio in personaggio, ci dà elementi sempre nuovi per risolvere il “giallo” dell'incidente ed insieme far emergere, da una parte, la miseria degli adulti e, dall'altra, le fragilità frammista a nobiltà dei giovani, vittime dei primi. Il risultato è un'opera mai banale, che sa essere cattiva quanto basta senza diventare manichea e che pone in modo chiaro la domanda: per cosa vale davvero un uomo? Per i soldi che è plausibilmente in grado di guadagnare nella vita o per la sua statura morale? La società esalta il primo aspetto, come si vede dalla festa finale dei “vincenti”; ma il film ci dice che davvero ricchi sono due ragazzi che, in un luogo non certo idilliaco come la galera, stanno costruendo un rapporto degno di questo nome. La profondità, la lucidità e la raffinatezza del racconto rendono questo film davvero notevole

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una vita difficile

da domenica 10 a venerdì 15 aprile 2016

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UNA VITA DIFFICILE

REGIA DI D.RISI

“Panoramica su venti anni di vita italiana attraverso le vicende di un ex-partigiano giornalista che si inserisce nel sistema di una borghesia reazionaria”, spiega sinteticamente il Morandini: dalla resistenza al boom economico Risi (grazie anche alla splendida sceneggiatura di Sonego) racconta la storia dell'Italia e degli italiani di un mondo nuovo e pulsante che però premia arrivisti e gente senza scrupoli. Vent'anni di vita del nostro Paese in un film amaro che è considerato fra le migliori prove di Dino Risi.

Nessuna celebrazione, poco ottimismo, ancor meno entusiasmo. Tipica commedia all'italiana, Una vita difficile dimostra che, nonostante bozzettismi e facilonerie, il genere può aver valore di documentario e di satira. In una delle ultime interviste televisive rilasciate prima di morire, alla domanda del giornalista su quale fosse il personaggio interpretato a cui era maggiormente legato, Sordi rispose essere quello di Silvio Magnozzi, il protagonista del film, aggiungendo, come seconda risposta, quello di Giovanni Vivaldi, protagonista della pellicola Un borghese piccolo piccolo di Mario Monicelli.

matteo mazza domenica pomeriggio	Uno dei capolavori degli anni Sessanta, senza dubbio; uno dei migliori film di Dino Risi, certamente tra i più complessi al pari de Il sorpasso (forse il vero apice della commedia all'italiana e il vero specchio del boom). Qui si precede, si intravede qualcosa, si percepisce una trasformazione umana-politica-culturale-ambientale che determina lo sviluppo degli anni a venire e si arriva a questo qualcosa con lo sguardo di chi ride a denti strettissimi. Questo è un film in cui si racconta il consumo: delle cose, delle persone, dei sogni, delle idee. Alcuni momenti sublimi legati al cibo: l'osso del prosciutto sbranato nei mesi di "licenza", la cena dai monarchici durante il referendum, il calviale del finale. Ma anche quei momenti invisibili di cinema puro che consentono di comprendere il senso di una forma così equilibrata. Prendete la scena in cui Elena va a riprendere Silvio che, ubriaco, sputa sentenze: si accorge di essere rimasto solo, Elena fugge in auto, entrano in quadro il pastore con le pecore. Silvio è solo, e un po' pecora. Geniale. Oppure, il lungo piano che segue Silvio rincorrere e sputare le automobili di Viareggio. Ma anche il finale: quello schiaffo, finalmente, ritrae l'uomo Silvio nella sua dignità ricostruita e, finalmente, condivisa da Elena. Non un semplice schiaffo di ribellione autoreferenziale ma la presa di coscienza di un'identità. S'incamminano, mano nella mano, sulla strada della vita. Se non è un lieto fine questo...
giulio martini domenica sera	il film - per cui persino Palmiro Togliatti fece i complimenti ad un imbarazzato Alberto Sordi - regge al tempo, ma si evidenziano certi tratti tipici da prima Repubblica , che oggi sembrano lontanissimi. Dino Risi non controlla sempre un Albertone scatenato nelle sue troppe varianti, che rendono contraddittorio - nell'insieme - il suo personaggio. Ma questa "mini storia di un italiano" ha scene memorabili, strordinarie della più nera, moralistica ed autentica "commedia all'italiana".
angelo sabbadini martedì sera	Tra le molte commedie della stagione è bella l’idea di recuperare un classico del genere: quella lontana “Una vita difficile” (1961) che molti ritengono il miglior risultato di Dino Risi. E l’operina, orchestrata magistralmente secondo un sapiente dosaggio di tragedia e comicità, funziona a meraviglia convincendo l’attento pubblico del Bazin. Non solo, ma la location di Lenno suggerisce ai presenti l’idea di una futura gita di piacere cinefilo sul Lago di Como…
carlo caspani mercoledì sera	Fuori classifica come tutti i classici, un Dino Risi esemplare che merita un posto particolare nella storia della commedia italiana. Ritratto spietato di un borghese intellettuale e velleitario dietro le gigionerie di Alberto Sordi grazie alla sceneggiatura del suo "cervello", Rodolfo Sonego, che scrive il suo lavoro forse più autobiografico. Una storia di dopoguerra e boom, di coerenza tradita, con Roma la Versilia la provincia lacustre di Como raccontate ridendo, per non piangere. Lea Massari adorabile. Il vero finale, ovviamente, è quello con Sordi ubriaco che sputa alle macchine sullo stradone del lungomare a Viareggio, all'alba.
fabio de girolamo giovedì sera	Al di là dei pallidi tentativi di imitazione attuali (vedi Se Dio vuole), questa è la commedia all’italiana. Dire che Una vita difficile è un film attuale è quasi scontato. Pensare che è ambientato quasi completamente negli anni ’50, gli intoccabili anni del boom economico, del benessere per tutti, dell’Italia che si risolleva dalle devastazioni della guerra, degli ultimi veri grandi statisti e, soprattutto, dei grandi imprenditori geniali e illuminati è inquietante. Sì perché, al di là della mitologia, gli anni della rinascita raccontati da Risi appaiono contenere già in nuce tutti gli aspetti, appena meno esasperati, della attuale (non si sa se e quando reversibile) decadenza italica. Come a dire che l’Italia repubblicana è già nata sotto questi auspici. Tanto di cappello alla lucidità analitica del regista e alla sintetica efficacia della messa in scena, ma anche al coraggio dei produttori di andare fino in fondo, fino a un dolce-amaro (finto happy)-end che la commedia italiana di oggi non avrebbe più neanche più la volontà di immaginare.
giorgio brambilla venerdì sera	Dino Risi e Alberto sordi ci regalano un personaggio straordinario, questo Sergio Magnozzi che incarna così bene i pregi e, più ancora, i difetti del protagonista della commedia all’italiana, il quale riesce a farci ridere e piangere insieme, con la sua nobiltà comica e la sua esclusione tragica finale. Un individuo capace di resistere a tutte le tentazioni e sopportare ogni umiliazione per fedeltà a un ideale o a una donna, che poi butta via per la propria cialtroneria. Un’opera che mostra in modo convincente l’imbarbarimento della società civile italiana nei quindici anni successivi alla guerra e che, pur con qualche difetto, resta una pietra miliare in quello che sarà il genere cinematografico più bello e dannato del nostro cinema, con sequenze che fanno ormai parte dell’immaginario nazionale. E per di più è assolutamente consapevole di ciò che vuol fare, come si vede dai tentativi del protagonista di far pubblicare o trasformare in film il proprio, omonimo, romanzo. Cinquantasei anni e non sentirli!

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